Jeff Koons

A pesar de no ser especialmente dado a indagar en la vida de los artistas, creo que la historia de Jeff Koons es una de las mas interesante en cuanto a la relación con su obra se refiere por lo que no veo mal un poco de cultura wikipédica
"Jeff Koons estudió pintura en el Instituto de Arte de Chicago y en el Colegio de Arte de Maryland. Trabajó como corredor de bolsa en Wall Street antes de establecerse como artista. Comenzó a hacerse notar en la década de los 80 y abrió un taller con un personal de 30 ayudantes manejado de modo similar al célebre estudio de Andy Warhol conocido como The Factory.Además sería uno de los primeros, si no el primeo, en contratar una agencia de publidad para darse a conocer. Casado en 1991 con la actriz pornográfica italiana Ilona Staller (Cicciolina), ambos tuvieron un hijo al año siguiente llamado Ludwig. La pareja se disolvió y la madre huyó a Europa donde aún vive con el hijo de ambos a pesar de que las cortes estadounidenses hayan fallado la custodia del infante a favor de Koons. Jeff Koons está entre los artistas vivientes más cotizados de los Estados Unidos"

Y habiendo hecho esta rápido repaso a su vida a modo de introducción pasamos al análisis de su carrera artística.

Personalmente me parece que Koons es a día de hoy uno de los artistas mas creativos que podemos encontrar en el panorama artístico. Sin embargo, bien sea por su utilización de un Kitsch excesivo, por sus dudosas dotes de para el dibujo o la pintura, o simplemente por la publicidad que se crea al rededor de su figura, nos encontramos a la vez ante uno de los artistas mas criticados por la opinión del mundo artístico.

Pero como ya decía antes considero que es un artista único. Y aunque sus primeras obras de objetos, mucho mas conceptuales, y su posterior serie “made in heaven” , una obra creada desde el impulsivo amor hacia su mujer, no me parecen de una originalidad tal como la obra de finales de los 80 y mediados de los 90, “Banality” y “Celebration”, admiro el carácter polifacético e imaginativo de sus obras, que dota de una magia propia reconocible a primera vista en cada una de sus obras. Una obra con herencia Pop creada para el observador y al gusto del mismo, dando lugar casi a un “anti-arte” que abrirá una guerra entre sus detractores y defensores, tanto público como críticos.

Creo además que una de las características que hace grande a Koons es esa variedad que se da a lo largo de toda su obra, en parte producida por girar en torno a sus vivencias personales, y como es capaz de adaptar la obra a ellas utilizando el medio que sea necesario, sin importar su dominio sobre él ya que para ello tiene su propia empresa. De esta manera consigue que cada obra sea un mundo nuevo por explorar, sin estancarse en una técnica o en una temática, pasando de lo conceptual de sus composiciones de objetos a la crítica burguesa de sus banalidades, de ahí a lo polémico de “made in heaven”,con escenas casi pornográficas, pasando lo marvilloso de “Celebration” y hasta la exaltación de nuestros instintos en “Easyfun-Ethereal”.

Quizás la única pega la encuentro en su persona no en su obra. Me refiero a esa categoría de semidiós que la constante publicidad le proporciona, y que quizás en Koons sea mas moderada por su personalidad mas amable, pero que ya se ha repetido en otros artistas mucho mas excéntricos como Warhol, creando un personaje en el punto de mira de la crítica.

New Hoover Deluxe Shampoo Polishers

three shampoo polishers, Plexiglas, fluorescent lights,box

1980-1986

Ushering in Banality

polychromed wood
38 x 62 x 30 inches
96.5 x 157.5 x 76.2 cm
Edition of 3 plus AP
1988

Michael Jackson and Bubbles

porcelain
42 x 70 1/2 x 32 1/2 inches
106.7 x 179.1 x 82.6 cm
Edition of 3 plus AP
1988

Balloon Dog

oil on canvas
102 x 143 inches
259.1 x 363.2 cm
1995-1998

Pancakes

oil on canvas
108 x 84 inches
274.3 x 213.4 cm
2001

"The Reality Games" la nueva exposción de Pedro Osakar

La exposición de divide en tres apartados bien diferenciados, tres conceptos distintos sobre los que gira la exposición, la casa, la ciudad y el museo, y que se unen en la idea de ciudad como lugar de reflexión, idea que recorre toda la obra de Osakar. Además nos propone un carácter crítico-político en obras como “La Habana/New York” o en “el manual de instrucciones”.

Pero sin duda una de la temática principal de la exposición es la dualidad producida entre realidad y ficción, lo real y lo falso, términos que se confunden según el contexto en el que se encuentren. Y es que esto es precisamente el punto de partida de su obra, afirmando que lo real depende de una cuestión cultural, habiendo así varias realidades distintas que chocan entre ellas.Y de ahí otro de los pilares de su obra, la relación entre la imagen y la palabra, utilizando una idioma distinto al del espectador, el inglés, para crear una realidad distinta a la que se crearía en el caso de que el espectador fuese anglosajón, como en el caso de “Carpentry”, “Haberdashers”, “butchers” y “Hairdressers”.

Centrándonos ya en la exposición en si y empezando por el apartado de la derecha, encontramos las obras “Carpentry”, “Haberdashers”, “butchers”y “Hairdressers”, por un lado, y “Museum”, “Hotel” , “Gallery”, “Prototipo Museum”, “Prototipo Hotel” y “Prototipo Gallery”, por el otro. En ambos series usa ,claramente, la ambigüedad entre la imagen y la palabra de la que antes hablábamos, relacionando imágenes de tiendas de campaña y caravanas con nombres de lugares, que se les superponen, de una función totalmente distinta, creando esa confusión entre funcionalidades. Acentuando,además, esa realidad confusa en la que no distinguimos entre lo que es real y no, añadiendo una serie de lineas ondulantes en las obras “Museum”, “Hotel” y “Gallery”, que no nos dejan afianzar las imagen como real.

Siguiendo hacia la izquierda nos encontramos con la serie “Ficciones”, que a su vez se divide en “La Habana/New York” y “Industria Cultural”, un conjunto de imágenes que juegan entre lo real y lo falso mediante la fotografía, un medio que capta instantáneas de la realidad y que por tanto no se presta a error. Sin embargo el artista retoca sutilmente cada una de la imágenes precisamente para crear esa visión errónea de lo supuestamente real, creando, de nuevo, esa ambigüedad entre realidad y ficción. Además en las obras correspondientes a “La Habana/New York” empieza a aparecer el tono político que inundará la última parte de la de muestra.

La siguiente serie, “las mejores vistas de la ciudad”, nos propone la imagen de una ciudad emulando la vista de unos prismáticos, una imagen incompleta, cortada por la forma ovalada, que nos remite de nuevo a esa confusión en realidad-ficción al no poder comprobar su veracidad.

Y ya para concluir con la exposición, en la parte izquierda, encontramos “El Manual de Instrucciones”, “La Casa de la Doctrina” y “El Símbolo”, un mundo basado en el poder como una ironía de la política actual. Obras que nos marcan un camino a seguir para llegar a ese poder, bien sea por la escaleras que nos suben a lo alto del trono o por las instrucciones para conseguir armar ese trono. Una serie de caminos que d una manera u otra nos habla de ese deseo por el poder y posibilidad de marcar el camino de los demás.

Ya como opinión personal, decir que la obra de Osakar me parece tan compleja como profunda, aunque en ocasiones una complejidad desorbitada para el mensaje que quiere mostrarnos, como es el caso de “El Manual de Instrucciones”, que creo debería de ser mucho mas directa. Un error que creo viene de basar sus obras en experiencias personales, en vez utilizar términos mucho mas generales.
Y aunque parezca lo contrario no creo que esa dificultad sea algo negativo en las demás obras, al contrario, me resultado bastante satisfactorio descubrir su mundo, pero es una obra que sin la debida documentación sobre el autor es muy difícil comprender, por lo menos en mi caso, tanto que al volver a releer lo escrito ya le vuelvo a encontrar fallos.

Programación 2009-2010

Una de las principales pegas que veo en la programación de este año, y supongo que en todos los anteriores, es la utilización excesiva de modelos.

Me explico, aunque creo que es un buen método para el aprendizaje de los factores que constituyen el mundo de la representación, proporción, luz natural,...ya hemos tenido tiempo suficiente en los dos cursos anteriores, principalmente en el segundo, para asimilar este tipo de conceptos tras un avasallamiento continuo de modelos en pintura, escultura y, sobre todo, dibujo. Desde otro punto de vista, bien es verdad que el alumno tiene libertad, a excepción de casos muy concretos, para la interpretación de su obra, pudiendo dotar la imagen del modelo de su propio tono personal, el problema es que un bajo porcentaje del alumnado, incluyéndome a mi mismo, utiliza estas sesiones para experimentación y la posterior aplicación a un proyecto personal, ya que por lo menos yo no encuentro ninguna atracción hacia la temática por el continuo machaque sobre los modelos en todas las asignaturas, contribuyendo a la pérdida de interés en el trabajo con estos.

Por lo tanto, bajo mi opinión siempre, si se redujera el número de sesiones de modelos y la clase se asentase sobre la experimentación y argumentación de uno o varios proyectos personales se conseguiría una experiencia mucho mas enriquecedora.

Con ello no quiero decir que se rechace el trabajo sobre modelos por completo, es simplemente que veo excesiva su utilización hasta hasta casi final de curso, lo veo, por decirlo de alguna manera, como una “excusa” para obligar a la asistencia a clase, cosa que por muchas vueltas que se le de creo que depende enteramente del interés del alumno por la asignatura, de ahí el hincapié que hago sobre ello. Y no es que quiera quitarle importancia a la asistencia, ni mucho menos, de hecho considero que es uno de los factores mas importantes en la evaluación ya que solo con asistiendo regularmente a clase conseguiremos una mecánica habitual de trabajo.

Pero volviendo al centro del comentario, la utilización de modelos, creo que el trabajo sobre ellos debería, ya a estas alturas de la carrera, ser una iniciación de un par de meses o utilizarse a modo de control cada cierto tiempo para “vigilar” el dominio del alumno en la representación, usando el resto del tiempo para la experimentación, argumentación y desarrollo del proyecto/s personal/es. De esta manera saldrían proyectos de una mayor calidad debido al control semanal o mensual que le profesorado llevaría sobre los proyectos, evitando así trabajos salidos de la nada en la última semana.

Este trabajo personal por supuesto iría fuertemente apoyado por documentación y reflexión en horas extraescolares y tutorías, pero de esta manera creo que la clase adquiriría una mayor interés y sería de mayor productividad y enriquecimiento para el alumno y podrían tratarse de primera mano problemas técnicos. Además en el caso de la tutorías suelen ser de poca ayuda ya que son de una duración escasa y suelen coincidir con otras asignaturas, por lo que a parte del alumnado le será difícil asistir.

Aquí entraría en juego una de las mejores ideas que he visto en a lo largo de la carrera en cuanto a enseñanza se refiere, la creación del blog, una herramienta fundamental de comunicación entre el alumno y el profesor y que además sirve de ventana en la que mostrar al profesor nuestro recorrido, actitudes y debilidades, pudiendo tratarnos de una manera mas personal a cada uno de los alumnos.
Además supliendo todo lo que antes criticaba sobre el desarrollo y documentación del trabajo creo que esta es una buena solución, fijando una serie de fechas en las que visitar los blogs y evaluar la evolución de los proyectos. También podemos unir en este mismo espacio comentarios de todo tipo que sin duda ayudarán a la realización del proyecto final.

Y por último otros de los factores que me a resultado bastante importante y llamativo es la libertad a la hora de elegir técnicas y medios sobre los que trabajar, que aunque en mi caso seguramente me decante por a pintura, otros muchos alumnos pueden no sentirse agosto en este ámbito, por lo que esa libertad sin ningún tipo de limitación conseguirá que se abran completamente.